Thais Vera Utrilla

Das FZM* lädt Euch ganz herzlich zur Ausstellung “Po(i)litique Series der Künstlerin Karina Villavicencio ein.

Die Arbeit von Karina Villavicencio reflektiert die Begegnung mit dem Anderen in verschiedenen künstlerischen Formaten wie Performance, Fotografie, Zeichnung und kuratorischer Arbeit. Im Rahmen ihres Werkes entwickelt sie das Konzept des Archivs als Strategie der Aussage und Visualisierung. Haare, Gesten, Bewegungen und Erinnerungen werden von der Künstlerin gesammelt und ausgestellt, neu interpretiert und neue audiovisuelle Narrative geschaffen, die das Publikum einladen, sich mit seinen eigenen Biografien aus einer neuen Perspektive zu verbinden. Durch ihre ästhetisch-poetische Arbeit schafft sie Räume des Ausdrucks und des Widerstands.

Gezeigt werden die Series von der Künstlerin, die sich mit der politischen Bedeutung der Körperhaare befassen. Feministische Reflexionen und Kritik an einem System, das fördert, dass Frauen* ihre körperliche Haare mit Schmutz und Hässlichkeit verbinden und dadurch sie entfernen.

Wo: FZM* e.V. Heinrichstraße 20C, 10317 Berlin

Wann: Samstag, 17. Februar 2024, ab 16.00 Uhr

U T O P I A

ES

„El arte tiene la capacidad de transformar las cosas.“

U T O P I A es el nombre elegido para la apertura del Feministisches Zentrum für Migrant*innen (Centro Feminista de Mujeres* Migrantes) en Lichtenberg poniendo el foco en la transformación de nuestros sueños y visiones en realidades vividas. Para la ocasión nos acompaña la obra pictórica de Jacqueline Bonacic-Doric y la performance de Karina Villavicencio.

La obra de la artista plástica Jacqueline Bonacic-Doric refleja mis visiones. Mis sueños, deseos, anhelos y utopías están plasmados en sus lienzos. También mis conflictos y contradicciones. La muestra presenta obras de la artista provenientes de distintas series: Serie Blanca y Muros de Cuidad. La obra que ilustra la invitación „No hablo alemán, pero me gusta escucharte“ se produjo en el marco del proyecto „Cartografías migrantes: Memoria, Lenguaje y Resistencia“, en el cual la artista participa con sus reflexiones y experiencias en el marco de su historia migratoria.

La mirada de Jacqueline Bonacic-Doric sobre conceptos filosóficos como igualdad, libertad, justicia y el sentido de la vida ha sido de gran influencia en mis caminos y decisiones. Su trabajo ha acompañado intensamente gran parte de mis procesos personales y profesionales. Siento fascinación por su forma de entender el mundo y su manera de convertirlo en arte. La lucidez de sus críticas se reflejan en su obra y me dan herramientas no solo para resistir sino para existir con pleno derecho.

Sobre la autora:

Bonacic-Doric entiende su trabajo como una suerte de diálogo con el mundo, así como una forma de resistencia. “No he esperado nunca a tener la circunstancias, las creo yo. Por eso hablo de resistencia, que es la forma en la que una quiere vivir.“ Bajo esa premisa transcurre la vida y obra de Jacqueline Bonacic-Doric, Yaky. Su inconformismo ante un mundo desequilibrado y mal distribuido es una constante en la obra de la artista plástica de orígenes sudamericanos. Así es cómo surgen sus creaciones, como respuesta a la fragilidad del ser y a las injusticias cotidianas a las que se enfrenta, con libertad de pensamiento y acción. "Mi fragilidad es la fragilidad de todos aquellos que quisieron acceder a otra cosa y la única manera de acceder es construyendo".

Texto de Thais Vera Utrilla, fundadora y directora del FZM*

DE

ERÖFFNUNGSFEIER DES FEMINISTISCHEN ZENTRUMS FÜR MIGRANT*INNEN (FZM*)

„Kunst hat die Fähigkeit, Dinge zu verändern.“

U T O P I A ist der ausgewählte Name für die Eröffnung des Feministischen Zentrums für Migrant*innen in Lichtenberg mit dem Fokus (Mittelpunkt) auf der Transformation unserer Träume und Visionen in gelebten Realitäten. Für den Anlass werden die Kunstwerke von Jacqueline Bonacic-Doric gezeigt sowie die Performance von Karina Villavicencio präsentiert.

Die Ausstellung spiegelt die Visionen der Initiatorin des Vereins FZM* wider. Ihre Träume, Wünsche, Sehnsüchte und Utopien werden auf den Gemälden abgebildet, aber auch ihre Konflikte und Widersprüche. Es handelt sich um eine Sammlung von verschiedenen Series/ Reihen der Künstlerin: Serie Blanca und Muros de Cuidad. Das Werk, welches die Einladung der Eröffnung illustriert, bestand aus einer Kunstauktion des Projektes „Migrantische Kartografien: Gedächtnis, Sprache und Widerstand“, an dem die Künstlerin mit Reflexionen und Erfahrungen ihrer eigenen Migrationsgeschichte teilgenommen hat.

Der Blick von Jacqueline Bonacic-Doric über philosophische Konzepte wie Gleichstellung, Freiheit, Gerechtigkeit und dem Sinn des Lebens beeinflussten meine Wege und Entscheidungen. Ihre Arbeit hat sehr stark meine persönliche und berufliche Prozesse begleitet. Ich bin fasziniert von ihrer Art, die Welt zu verstehen und sie in Kunst umzusetzen. Die Klarheit ihrer Kritik spiegelt sich in ihrer Arbeit wider und gibt mir nicht nur die Möglichkeit, Widerstand zu leisten, sondern auch mit allen Rechten zu existieren.

Jacqueline Bonacic-Doric versteht ihre Arbeit als eine Art Dialog mit der Welt, aber auch als eine Form des Widerstands.

Karina Villavicencio spricht mit ihrer Kunst an der Schnittstelle von Performance, Fotografie und Forschung aus einer Gender- und Migrationsperspektive aktuelle gesellschaftspolitische Themen an. Durch ihre Arbeit mittels Partizipation des Publikums macht sie Diskurse nicht nur sichtbar, sondern – sogar noch intensiver – fühlbar.

Sie untersucht die Beziehungen zwischen Präsenz und Persönlichkeit, dem Körper, der Interaktion mit anderen Körpern und Objekten im (öffentlichen) Raum, der individuellen Gestik und Mimik als Zeichen der Sinnlichkeit und Ausdruck einer allgemein verständlichen Sprache. Unabhängig vom Medium ist die von Karina Villavicencio praktizierte Kunst ein dynamischer Prozess, der auf Interaktion, Partizipation und Transformation beruht. 

Text von Thais Vera Utrilla, Gründerin und Geschäftsführerin des FZM*.

Lista de cuadros expuestos y precios:

1. No sé alemán, pero me encanta escucharte (2022)

   1,14 x 1,40 

   3.000 €

2. A pesar de todo (Serie Blanca)

   0,60 x 0,81

   2.000 €

3. Para verte mejor (Serie Súper hiper mega política)

   0,80 x 1,00  

   1.800 €

4. Pinturas de pared, 2007

   1,00 x 0,80

   2.000 €

We are very happy to invite you to AncestrAs.

After a month of meetings with wonderful women, sharing the immaterial knowledge that our grandmothers bequeathed to us, the time has come to give it to the world!

Join us to honor, remember and reflect on those women who have gone before us.

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Estamos muy felices de invitarlas a AncestrAs.

Luego de un mes de encuentros con mujeres maravillosas, compartiendo aquellos saberes inmateriales que nos legaron nuestras abuelas ha llegado el momento de entregarlo al mundo!

Acompáñanos a honrar, recordar y reflexionar acerca de aquellas mujeres que han estado antes que nosotras.

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Wir freuen uns sehr euch zu AncestrAs einzuladen.

Nach einem Monat der Begegnungen mit wunderbaren Frauen, die das immaterielle Wissen das unsere Großmütter uns hinterlassen haben und mit uns geteilt haben, ist nun die Zeit gekommen es der Welt zu schenken!

Kommt vorbei und gedenkt der Frauen, die vor uns gegangen sind.

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AncestrAs

VorfahrerInen und neue Weiblichkeiten

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de Denise Carner Lorenzo

13 de junio 2018

Denise Carner Lorenzo presenta en Berlín su obra “Ephemeral” en la que rescata fotografías de personas desconocidas y olvidadas para dotarlas de una nueva vida plasmada en un material tan orgánico como son las hojas de los árboles.

Estas imágenes de orígenes remotos, que alguna vez alguien desechó, son rescatadas por la artista argentina con el anhelo de darles un nuevo sentido y alargar su existencia. Las personas que se ven en las hojas se convierten en personajes ficcionados que bien podrían ser alguna de nuestras tatarabuelas que no llegamos a conocer. De esta forma se entremezclan los conceptos de memoria y olvido, de realidad y ficción, de imagen pública y privada.

Carner Lorenzo parte de preguntas como: ¿Quiénes son esas personas? ¿Por qué ya nadie quiere recordarlas? Y afirma que “encontrar la foto de alguien desconocido tiene una carga fantasmagórica, ya que observamos una existencia que se perdió. Hay una memoria que se pierde pero a su vez se transforma. Al ser encontrado lo privado se vuelve público y estas imágenes se abren hacia múltiples sentidos posibles. Me interesa transformar esta pérdida y dotar de nuevos sentidos estas fotos, a partir de este soportes precarios, que den cuenta de la precariedad y mutabilidad  de la memoria.”

“Ephemeral” es la puesta en escena de la plasticidad de la memoria capaz de reinventarse y volver a aparecer cuando ya nadie la esperaba.

Lugar: Frauentreff An der Wuhlheide

de Jacqueline Bonacic-Doric

3 junio 2018

“Pregunto.. ¿Es que solo nos podemos hacer selfies con la guerra?” Yaky, Jacqueline Bonacic-Doric

Selfies con los cadáveres de otros. Un umbral para mis propios cadáveres de la artista plástica Yaky, Jacqueline Bonacic-Doric se convierte en un proyecto expositivo global que acontecerá al mismo tiempo en diferentes lugares del mundo: Buenos Aires, Medellín, Berlín, Madrid, Barcelona, París, Amberes, Ibiza ..

El centro de mujeres Frauentreff An der Wuhlheide en Berlin es el elegido para mostrar la exposición. Horario: 19.30 horas.

La muestra refleja una crítica directa a la anestesia que impera frente a imágenes de terror a las que estamos acostumbradas. Yaky, con la mirada aguda y lucidez que la caracteriza, se burla del terror más feroz: el producido en las guerras, en denuncia a una sociedad cada vez más indiferente a realidades consumidas a través de imágenes. El exceso de fotografías a las que estamos sobreexpuestas nos inmuniza del horror ajeno, que no es otro que nuestro propio dolor.

Lugar: Frauentreff An der Wuhlheide

Curaduría en Berlín: Thais Vera Utrilla

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“Ich frage mich auch: Können wir denn nur Selfies mit dem Krieg machen?” Yaky, Jacqueline Bonacic-Doric

Selfies mit dem Leid anderer. Sprechen mit meinem persönlichen Gefühl der Sterblichkeit von der südamerikanischen Künstlerin Yaky, Jacqueline Bonacic-Doric, ist eine globale Ausstellung, die in verschiedenen Orten der Welt stattfinden wird: Buenos Aires, Medellín, Berlín, Madrid, Barcelona, París, Amberes, Ibiza ..

Im “Frauentreff An der Wuhlheide” wird die Ausstellung am Sonntag dem 03. Juni um 19.30 Uhr vorgestellt.

Die Ausstellung spiegelt eine direkte Kritik an der Anästhesie wider, die gegen Horror Bilder vorherrscht, an denen wir gewöhnt sind. Yaky, mit dem schaffen Blick und der Klarheit, die sie charakterisiert, verspottet den grausamsten Terror: der durch Krieg erzeugte. Die Künstlerin beschuldigt eine Gesellschaft, welche gegenüber den durch Bilder verzehrten Realitäten zunehmend desinteressierter wirkt. Das Übermaß an Fotografien, denen wir ausgesetzt sind, immunisiert uns vor den Schrecken anderer, welcher am Ende nichts anderes ist als unser eigenes Leid.

Ort: Frauentreff An der Wuhlheide Rathenaustraße 40, 12459 Berlin

Kuratorin in Berlín: Thais Vera Utrilla

Übersetzung: Simón Marchese

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La guerra contra la realidad. “Yaky” y la des-humanización de las imágenes.

En reiteradas ocasiones, James Nachtwey sentenció que “si no has tomado una buena foto, es porque no te has acercado lo suficiente”. El fotoperiodismo, en su constante esfuerzo por reflejar fielmente los acontecimientos, utiliza esta frase cual caballo de batalla para lograr el efecto dramático en las imágenes. Manu Brabo realiza en el 2017 una exposición llamada “Un día cualquiera”, en donde muestra los conflictos político-sociales recientes de Oriente Medio. A propósito de esta muestra, Jacqueline Bonacic-Doric, Yaki, realiza su serie “´SELFIES´ con cadáveres de otros. Un umbral para mis propios cadáveres”. En este trabajo, se apropia de las imágenes de Brabo para transformarlas en la contradicción avecinada por Rancière: las imágenes de guerra, en su ímpetu por mostrar la crueldad para sensibilizar, produce una insensibilización de la imagen producto de su excesiva realidad.

La selfie se presenta en el mundo contemporáneo como una democratización de la fotografía, en un mundo globalizado que solo puede pensarme a partir de las imágenes. La saturación del dolor, la inmediatez de la información y la subjetividad del arte, han transformado nuestra manera de relacionarnos con las imágenes y ha llevado a los cuerpos a una estrepitosa muerte, a través del término de la relación amorosa con ellas. Ya no podemos evitar las imágenes. Ya no podemos escoger no ver. Ya no podemos enfrentarnos a la realidad sin la mediación de las imágenes. La artista, en tensión con lo anterior, se apodera de la fotografía de otro involucrándose en ella, descontextualizándola y llevándolo a otro plano, uno íntimo y cotidiano. El cadáver ya no es alguien, ni de alguien. Se transforma en una imagen de todos para todos, para un consumo común. 

Valeska Navea, historiadora de arte

von Camila Berrio

enero 2016

“Etéreo” ist eine der neuesten Arbeiten der kolumbianischen Fotografin Camila Berrio. Die Fotoausstellung entsteht aus der Suche nach der eigenen Identität der Autorin, die nicht nur hinter der Kamera steht, sondern sich selbst porträtiert und sich fotografieren lässt und dabei das enge Korsett der sozial konstruierten Geschlechter sprengt.

Im Fokus stehen die Rituale der Metamorphose von Menschen, die den heteronormativen und binären Diskurs überwinden. Camila Berrio zeigt die Transformation wie einen spielerischen Akt, in dem die ProtagonistInnen Perücken wählen, sich schminken, vor dem Spiegel posieren, ihre Körper zeigen und sich erkennen. Porträtiert auf einer Theaterbühne scheinen ihre Gesichter uns furchtlos zu sagen: Schaut euch das mal an! Es geht um eine Reise zur eigenen Selbstakzeptanz und Selbstdefinition.

Camila Berrio kommt aus Medellín (Kolumbien) und studiert Fotografie in Berlin. Das ist das erste Mal, dass ihre Fotoarbeit in der Öffentlichkeit gezeigt wird.

Ort: Interkulturelles Frauenzentrum S.U.S.I.

http://cargocollective.com/camilaberrio

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Etéreo es uno de los trabajos más recientes de la fotógrafa colombiana, Camila Berrio, desde hace varios años afincada en Berlín. La muestra forma parte del proceso de búsqueda de la propia identidad de la joven autora, que no solo figura detrás de la cámara, sino que aparece autorretratada en una las fotografías. De espaldas, desnuda, solo con unas bragas negras, unos zapatos de tacón excesivamente grandes y un relleno en el pubis, la fotógrafa rompe los corsets binarios de género. Imposiciones hetenormativas que nos obligan a definirnos como hombre o mujer en función de nuestro sexo biológico. 

Berrio retrata la metamorfosis de un grupo de hombres (1) que se visten con ropa tradicionalmente femenina, se maquillan, utilizan pelucas y pestañas postizas, se transforman frente al espejo y disfrutan con lo que ven y crean, Las imágenes nos muestran la transformación como un acto lúdico y de celebración. Los escenarios se antojan teatrales. Los personajes parecen actuar sin miedo y dirigirse al objetivo diciendo: mirad esto. En un viaje hacia la propia aceptación y propia definición la autora se confronta forzosamente con los estereotipos de género y discursos normativos a partir de un trabajo artístico que se torna documental. 

La propia artista nos desvela el origen de este proyecto: "Este trabajo empezó en la universidad. Me pidieron fotografiarme y empezó también por querer retratar una frustración. Desde hace ya un tiempo, no sé si años, un tiempo largo, tenía la idea de que no quería ser mujer, de que ser mujer era muy difícil, de que no permitía hacer muchas cosas, y tenía que estar ligada a muchos estereotipos sociales. Y me daba rabia. Siempre me he juntado más con hombres que con mujeres. Siempre he tenido como cierta rivalidad con las mujeres. Yo rehuso maquillarme, usar tacones. Si quiero sentarme con las piernas abiertas, me siento con las piernas abiertas, o camino como quiero caminar. O no me avergüenzo de muchas cosas que normalmente muchas mujeres dirían: no hagas esto porque te puedes ver rara haciéndolo. Y lucho con eso. Cuando me pidieron fotografiarme, yo sabía que no quería ser mujer y eso fue lo que busqué. Busqué esa frustración y me fotografié con un pene. Me fotografié en zapatos de mujer en los que no cabía, porque sentía que no cabía ahí. Luego empezaron a pasar muchas cosas. Trabajé para un festival de mujeres y las vi fuertes, llenas de arte y de cariño también por lo que hacían. Sin miedo y sin vergüenza por lo que eran. Y también conocí a las drag queen, que son hombres que deciden vestirse mujeres y hacer un show ante eso. Es que no quieren ni si quiera ser mujeres. Ellos no creen en esa clasificación de género. No quieren ser o solo un hombre o solo una mujer. Quieren vivir dos mundos. Y se burlan de solo ser algo. No se reprimen a ellos mismos a encontrarse. Y eso a mí me dio el valor para aceptarme a mí misma."

(1) Denominación de género en un sistema patriarcal heteronormativo en donde se reproduce el binarismo de género hombre-mujer, determinado en función del sexo biológico.

von Sita Ngoumou

20 noviembre 2015

Die Ausstellung „I am – ich bin – me ne“ von Sita Ngoumou zeigt Bilder von schwarzen Frauen in verschiedenen Darstellungen und mit unterschiedlichem Hintergrund. Durch die bewusste Vermeidung von Bildtiteln wird die Betrachterin animiert, ihre eigene Interpretation der Geschichten hinter den Bildern zu finden. Es sind Geschichten von Freude, Stärke, Stolz, Liebe, aber auch Wut, Verzweiflung, Widerstand, Rebellion, die von den Figuren erzählt werden. Ein Schritt auf dem Weg zu selbstbewusstem Anerkennen und Wertschätzen unserer selbst.

Sita Ngoumou, aufgewachsen in Yaoundé (Kamerun), ist Malerin, Illustratorin sowie Frauenärztin und Mutter von 3 Kindern. Unter anderem illustrierte sie die Novelle „Synchronicity“ von Sharon Dodua Otoo (Edition Assemblage, 2014). Sie hat zuletzt an der ersten Ausstellung des NOUS Projektes (Platform for African Female Artists in Germany) im April 2015 in Mainz teilgenommen. Sie lebt und arbeitet in Frankreich und Deutschland, in der Nähe von Saarbrücken.

Ort: Interkulturelles Frauenzentrum S.U.S.I.

von Francisca López

8. Mai – 12. Juni 2015

Unter dem Titel „Weißes Stück“ zeigt die argentinische Fotografin Francisca López ihre neueste, bisher unveröffentlichte Arbeit. Eine Serie von Fotogrammen - abstrakte Bilder, die sich aus losen Fragmenten zusammensetzen und in ihrer Wiederholung und Verbindung miteinander immer neue Kompositionen ergeben. In der Vereinigung bereits bestehender Elemente entstehen immer neue Szenerien.

Zwischen den immer neuen Konstellationen der Fotografin und unseren eigenen Migrationsgeschichten besteht ein Parallelismus. So kreieren auch wir, wenn wir emigrieren, immer neue Realitäten. Alte Stücke, die wir mitbringen, vermengen sich mit Fragmenten des neuen Ortes. Die unterschiedlichen Teile gestalten neue Einheiten (Mosaike), eine komplexe Struktur, die Francisca uns in Form von geometrischen Formen präsentiert.

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“Memoria iluminada, galería donde vaga la sombra de lo que espero”, Alejandra Pizarnik

La fotógrafa argentina presenta su último trabajo inédito, una serie de fotogramas en blanco y negro, bajo el título "Weißes Stück". La muestra fotográfica de Francisca López reúne una serie de imágenes abstractas, conformadas por fragmentos de piezas sueltas, que nuevamente articuladas dan lugar a nuevas composiciones. De la reunificación y repetición de elementos ya existentes resulta un nuevo escenario. 

Existe un paralelismo entre las nuevas constelaciones creadas por la fotógrafa y nuestras historias migratorias. Cuando emigramos, construimos nuevas realidades. Viejas piezas que nos acompañan se entremezclan con nuevos fragmentos del lugar al que se llega. Esas diferentes partes configuran la unidad de un nuevo mosaico, un complejo entramado que Francisca presenta en forma de abstracción geométrica.

La fotógrafa argentina y artista visual Francisca López nació en 1972 en Buenos Aires (Argentina). De niña se exilió junto con sus padres en Caracas (Venezuela). Muchos años después vivió en Barcelona y Berlín. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. 

Lugar: Interkulturelles Frauenzentrum S.U.S.I.  Berlin

14 April 2013 um 13.00 Uhr

Eine Auswahl der Kunstwerke von den lateinamerikanischen Künstlerinnen: Yaky Bonacic-Doric, Idania Despaigne, Francisca López, Fernanda Staude, u.a.

Ein Fenster zu Einzelkreationen .

Ort: Frauenkreise

von Fernada Staude

23. noviembre 2012 - 31 enero 2013

Am Freitag 23. November präsentieren die Frauenkreise die Ausstellung "Demasiada Desmesura" von Fernanda Staude, eine Sammlung von ihren letzten Monotypen in Kleinformat, die zu den Reihen "Demasiada Desmesura" und "Historias urbanas" gehören.

In der Arbeit von Fernanda Staude geht es um die ethische und moralische Maßlosigkeit, um soziale und emotionale Zügellosigkeit, um den Versuch, zur Reflexion über unsere Zeit anzuregen.

Fernanda Staude studierte Malerei und Druckgraphik in Buenos Aires.Seit 10 Jahren lebt sie in Madrid. In ihren Arbeiten hat sie sich auf Radierungen und Druckgraphiken spezialisiert.

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Desde el 23 de noviembre hasta el 31 de enero podrá visitarse la exposición “Demasiada Desmesura”, por Fernanda Staude, en el centro sociocultural de mujeres Frauenkreise en Mitte, Berlín. La muestra es una selección de monotipos, parte de las dos últimas colecciones de la artista “Historias urbanas” y “Demasiada Desmesura”, eligiendo esta última como título de la presente exposición.

A través de sus creaciones Staude recrea diferentes escenarios urbanos: mientras en algunos retrata contextos cotidianos, en otros inventa situaciones imposibles. Lo que cambia es el fondo pero no los personajes, que se repiten a lo largo de su obra. Ellas/os son los protagonistas de las historias que plantea la artista, situándolos en una posición de espera y de contemplación, incluso de espaldas a la realidad. En otras piezas es el movimiento y la búqueda de cambio los que definen el espacio; de esa manera se expresa la esperanza en su trabajo.

Lo figurativo es una constante en la obra de Staude. La crítica a la sociedad de consumo en la que estamos sumidos, sin apenas darnos cuenta de la locura de mucha de nuestra cotidianidad y enconsertamiento, aparece en forma de símbolos y de nuevo a través de personajes, que no oyen ni ven, o que, verdaderamente, no quieren ver ni oír.

El uso del pequeño formato de sus monotipos no es una elección aleatoria. Staude busca el contacto directo y cercano de las espectadoras con los escenarios retratados, con el propósito de crear un espacio íntimo que nos acerque a descubrir las historias de cada creación. 

Lugar: Frauenkreise Berlin

de Cristina Sahuquillo

2 diciembre 2011

"Yo soy una y soy mil

Todas las vidas pasan por mí

Me muerden sus heridas" 

Alfonsina Storni

Como un espejo, así utiliza la poesía de Alfosina Storni, la artista e ilustradora Cristina Sahuquillo. Los versos de la poetisa argentina aparecen bordados en su obra imitando a los ajuares de familia, pertenecientes a madres, abuelas, vecinas, primas lejanas y amigas de la infancia. La artista busca en la intimidad de la telas desnudar la intimidad del alma. Y al evocar el desgarro en la sencillez de las palabras de Alfonsina, encontrar tal vez un alivio en quien vivió y sintió lo mismo que ella. Con los hilos hechos letra y esta convertida en verso, nos acercamos a un universo de obsesiones, melancolías y dolor, pero también de esperanza y liberación. Como reza una de las telas: "Mis brazos: saltan de mis hombros. Mis brazos: alas"

Junto con los objetos textiles se expone en Miscelánea una cuidada selección de grabados y dibujos, que revelan el camino de la artista en la búsqueda de su propia identidad. La muestra nos sumerge en el deseo expreso de su autora de continuidad intergeneracional de mujeres, algunas de las cuales no llegaron a conocerse. Una suerte de comunicación a través de telas y bordados que evocan recuerdos de otras épocas. Un peso ancestral de voces atrapadas en un poema. 

Lugar: Frauenkreise Berlin

mit Jacqueline Bonacic-Doric

20 november 2011

In dem Workshop “Der eigene künstlerische Ausdruck” behandeln wir die folgenden Fragen:

*Wie bearbeite ich eine unbehandelte Leinwand?

*Wie finde und entwickle ich meine eigene Sprache beim Malen eines Bildes in Verbindung mit meinen Gefühlen, wie setze ich meine eigene Kreativität um und lasse ihr freien Lauf?

Kosten: 35 Euro für beide Termine, 20 Euro pro Termin,

zusätzliche Materialkosten für Acrylfarben, Pinsel, Papier, Leinwand, Bleistift,Kreide etc.

de Jacqueline Bonacic-Doric, Yaky

26 agosto - 18 noviembre 2011

“No he esperado nunca a tener la circunstancias, las creo yo”. Bajo esa premisa transcurre la vida y obra de Jacqueline Bonacic-Doric, Yaky. Su inconformismo ante un mundo desequilibrado y mal distribuido es una constante en la obra de la artista plástica de orígenes sudamericanos. Así es cómo surgen sus creaciones, como respuesta a la fragilidad del ser y a las injusticias cotidianas a las que se enfrenta, con libertad de pensamiento y acción. "Mi fragilidad es la fragilidad de todos aquellos que quisieron acceder a otra cosa y la única manera de acceder es construyendo".

Los escenarios urbanos se suceden en sus composiciones artísticas dando paso a la serie Blanca, Muros de Ciudad y Contundentes. Con los Héroes, elaborados con desechos y transformados en manifestaciones del ser, reivindica el uso de otros sentidos en el arte además del visual. La participación del tacto y el olfato en la interacción con la obra provoca que el público pueda ejercer otro tipo de aprendizaje, de conocimiento. Ese acercamiento está más ligado a la emoción que el intelecto, al contrario de lo que ocurre con la pintura. 

"Toda mi obra la trabajo desde la inexactitud, con lo azaroso, con el accidente. Con lo cual las medidas y la aproximación a los espacios es mucho más sensible que medible. No es racional. Después se vuelve racional porque una empieza a organizar, a ordenar, porque jugás, componés, pero toda la composición de lo que sea, el conocimiento de un espacio, el acercamiento, tiene que ver con un aspecto más institivo, más intuitivo. Es más estético." 

"Lo que contiene" fue su primera aparición en Berlin en 2011 en el centro de mujeres Frauenkreise. La muestra reunió parte de su obra pictórica más emblemática, y tras una calurosa acogida, se cerró con la subasta de uno de sus murales. 

Bonacic-Doric entiende su trabajo como una suerte de diálogo con el mundo, así como una forma de resistencia. 

Lugar: Frauenkreise Berlin